maio 2025

Shakespeare com os habituais traços da cena contemporânea

Daniel Schenker crítica, destaques-home, Teatro 0

Dan Stulbach interpreta Shylock na montagem de O Mercador de Veneza (Foto: Ronaldo Gutierrez)

A decisão de encenar O Mercador de Veneza, peça de William Shakespeare, pode ser analisada a partir de diferentes perspectivas. Por um lado, significa a aposta na dramaturgia clássica, que vem sendo pouco valorizada na temporada teatral do Rio de Janeiro. Por outro, a escolha desse texto num momento de aumento do antissemitismo no mundo gera certa perplexidade, apesar de não haver um consenso em torno da percepção do judeu Shylock como vilão e dos pontos de vista distintos sobre o personagem eventualmente suscitarem debates instigantes.

Em comparação com o retrato do judeu traçado em O Judeu de Malta, peça de Christopher Marlowe que serviu de possível fonte de inspiração para a criação de O Mercador de Veneza, Shakespeare humaniza uma figura como Shylock. Determinado a cobrar uma dívida por meio da extração de uma libra de carne, em região perto do coração, do corpo do mercador Antônio, o comerciante Shylock justifica sua atitude como reação à discriminação que sempre sofreu dos cristãos – em especial, de Antônio e daqueles que o rodeiam. Há o famoso solilóquio de defesa de Shylock, que argumenta, com admirável lucidez, que o judeu é em tudo igual aos demais indivíduos. E essa nova montagem, em cartaz no Teatro Nelson Rodrigues – Caixa Cultural, frisa a segregação contra o judeu através de breves projeções de bocas acusatórias. Mesmo assim, parece difícil deslocar Shylock da posição de antagonista, considerando a forma como a história é contada e a concepção dos personagens: como sentir empatia diante do inflexível Shylock, que cobra a dívida de um modo que provavelmente acarretará a morte de Antônio, por sua vez apresentado com bastante simpatia?

A encenação de Daniela Stirbulov transporta a ação da peça de Shakespeare para o presente ou passado próximo, mas não envereda por articulações diretas com a guerra no Oriente Médio. A diretora prioriza outra conexão ao ambientar a história no meio empresarial, com projeções que remetem ao universo da bolsa de valores, elo realçado na cenografia de Carmem Guerra. Integrados a esse contexto, os figurinos de Allan Ferc privilegiam cores neutras que contrastam com as tonalidades intensas da iluminação de Wagner Pinto e Gabriel Greghi. Entretanto, o destaque à ideologia capitalista se impõe como pista falsa. Afinal, conforme sublinhado na peça em diversos instantes, o que move a cobrança de Shylock não é o dinheiro, e sim a vingança pelas inúmeras manifestações de preconceito religioso ao longo do tempo. Talvez o objetivo tenha sido evidenciar a insuficiência do dinheiro na resolução de toda e qualquer situação, principalmente aquelas ligadas à anulação de identidades.

Mas, diante da relativa fragilidade dessa proposta de leitura da peça, os elementos que constituem a montagem ficam, em boa parte, reduzidos a uma afirmação de sintonia com signos do teatro contemporâneo, identificáveis no aparato multimídia (acrescido da dispensável inserção de um videomaker no palco), na música ao vivo e na inclusão de refletores de estúdio. Muitos desses procedimentos quebram com a apreciação ilusionista da cena ao deixarem à mostra as engrenagens do teatro e a estruturação do espetáculo. Soa singular, mas é uma linguagem recorrente em montagens recentes.

Responsável pela tradução e adaptação da peça, Bruno Cavalcanti investe em operações dramatúrgicas que abordam a sexualidade como território mais amplo do que categorizações pré-estabelecidas e pontuam a história com referências ao mundo pop. A despeito da inclusão de conteúdos importantes – somados à tenacidade das mulheres numa sociedade que as oprime, questão que vem à tona através da postura impetuosa das personagens e da troca de identidades, recurso comum nas comédias de Shakespeare –, a atualização temática dá a impressão de decorrer mais de um desejo de aproximar, de maneira artificial, o texto original do espectador do século XXI do que de uma análise verticalizada da peça.

A tendência à exteriorização surge ainda no registro interpretativo. Dan Stulbach, apesar de acentuar o trabalho de composição (flagrante na voz), dimensiona a intransigência e a indignação de Shylock. Augusto Pompeo imprime autoridade ao Duque. Cesar Baccan sobrecarrega a expressão na cena do julgamento de Antônio, mesmo levando em conta a extrema tensão do personagem nesse clímax da peça. Quase todos os integrantes do elenco têm atuações que, diante da necessidade de ressaltar o potencial comunicativo e popular do texto, resultam uniformizadas numa linha de exagero.

A encenação de O Mercador de Veneza é norteada pelo esforço em proporcionar um diálogo entre a peça de Shakespeare e os dias de hoje, sem, porém, explicitar analogias. A escolha desse texto na conjuntura do aqui/agora é discutível. Mas, independentemente da peça, a proposição artística fica limitada, em grau considerável, à reunião de componentes cênicos habituais em tantos espetáculos.

O MERCADOR DE VENEZA – Texto de William Shakespeare. Direção de Daniela Stirbulov. Com Dan Stulbach, Augusto Pompeo, Amaurih Oliveira, Cesar Baccan, Gabriela Westphal, Júnior Cabral, Marcelo Diaz, Marcelo Ullmann, Marisol Marcondes, Rebeca Oliveira, Renato Caldas e Thiago Sak. Teatro Nelson Rodrigues – Caixa Cultural (Av. República do Paraguai, 230). Qui., às 19h, sex., às 20h, sáb. e dom., às 18h. Ingressos: R$ 40,00 e R$ 20,00 (plateia), R$ 30,00 e R$ 15,00 (balcão).

Clássico com saudável inquietação

Daniel Schenker crítica, Teatro 0

Patrícia Selonk interpreta Winnie em Dias Felizes, encenação da Armazém Companhia de Teatro para o texto de Samuel Beckett (Foto: João Gabriel Monteiro)

Ao longo da sua jornada, a Armazém Companhia de Teatro vem sendo norteada, em grau considerável, pela alternância entre montagens de textos escritos dentro do próprio grupo – assinados pelo diretor Paulo de Moraes em parceria com o dramaturgo Mauricio Arruda Mendonça – e de peças clássicas. Encenação do original de Samuel Beckett em cartaz na Fundição Progresso, Dias Felizes pertence ao segundo bloco. Mas nos projetos centrados em repertório consagrado, a Armazém não deixa de afirmar sua autoria por meio de proposições inventivas em relação às obras. Além disso, independentemente das escolhas dramatúrgicas, determinadas características, como o trabalho físico vigoroso do elenco, atravessam os espetáculos.

O corpo é um ponto de conexão entre a linguagem da Armazém e os textos do irlandês Beckett, que, tanto nas peças mais desenvolvidas quanto nas curtas, destaca as limitações e as especificidades físicas dos personagens. É o caso da Winnie de Dias Felizes, sugada pela terra à medida que a peça avança. Desse modo, a valorização do corpo não se dá através da livre expansão pelo espaço, da virtuosística demonstração de habilidades. Ao contrário, os movimentos se tornam cada vez mais reduzidos – no primeiro ato, Winnie aparece da cintura para cima e no segundo, apenas sua cabeça fica fora da terra. Para a atriz que interpreta a personagem é um desafio, e não uma facilitação.

Na obra de Beckett, o importante não está “tão-somente” no que o espectador vê, mas também naquilo que permanece interditado ao olhar, como uma parte do corpo de Winnie. A criação do figurino (de Carol Lobato) não se restringe à parcela exposta do corpo, mesmo que a totalidade da roupa só seja integralmente revelada no encerramento do espetáculo, quando a atriz se desprende da estrutura cenográfica. O figurino sugere certa proximidade com uma linha clownesca. O afastamento do real desponta ainda na concepção do cenário (de Carla Berri e Paulo de Moraes), que, apesar da concretude da espacialidade – uma rampa sustentada por rochas –, evidencia o artifício. O corpo de Winnie afunda, mas ela não parece estar sendo engolida pela terra. O sol abrasador não passa de imagem exibida numa tela. Não há a intenção de fornecer ao público uma fidedigna reprodução visual da situação-base do texto.

Paulo de Moraes não subverte a peça de Beckett. De qualquer maneira, apresenta uma proposta de leitura. O contraste entre o prognóstico trágico de Winnie e seu otimismo inquebrantável é suavizado na encenação. Mas o diretor investe em abordagem minuciosa que realça transições contidas no texto, pontuadas com sutileza na iluminação de Maneco Quinderé. Esse colorido dramático marca a interpretação de Patrícia Selonk, que não uniformiza a trajetória de Winnie, manifestada entre solilóquios existenciais e breves interações com o marido, Willie, papel feito por Felipe Bustamante (que reveza com Isabel Pacheco e Jopa Moraes). Selonk domina a palavra, qualidade minimizada na metade final do espetáculo, quando o diretor intensifica o aparato multimídia. A imagem propositadamente gasta, poluída, falha, de Winnie na tela suscita interessante articulação com a crescente ameaça à sobrevivência da personagem. Essa acentuação da imagem na tela, porém, estabelece inevitável concorrência com a presença da atriz no dispositivo cenográfico. E a música de Ricco Viana adquire interferência excessiva na cena.

A montagem de Dias Felizes proporciona ao público contato com a dramaturgia clássica, encenada com pouca frequência no Rio de Janeiro. As eventuais ressalvas ao resultado decorrem da saudável inquietação de Paulo de Moraes na transposição do texto para o palco.

DIAS FELIZES – Texto de Samuel Beckett. Direção de Paulo de Moraes. Com Patrícia Selonk, Felipe Bustamante/Isabel Pacheco/Jopa Moraes. Espaço Armazém/Fundição Progresso (R. dos Arcos, 24). De qui. a sáb., às 19h30 e dom., às 19h. Ingressos: R$ 80,00 e R$ 40,00 (meia-entrada).

Realismo suavizado

Daniel Schenker crítica, Teatro 0

Liliane Rovaris e Ana Carbatti em As Pequenas Coisas, montagem de Inez Viana para a peça de Daniel MacIvor (Foto: Thais Grechi)

A escrita do canadense Daniel MacIvor, que ganhou projeção nos palcos brasileiros por meio de montagens de alguns de seus textos – In On It, A Primeira Vista, Cine Monstro (que compõem uma trilogia) e A Ponte –, retorna agora com As Pequenas Coisas. Entre as peças do autor já encenadas aqui, essa parece mais próxima de A Ponte, que traz o convívio conflituoso entre três personagens femininas e se aproxima do realismo, e mais distante de outras que oferecem desafios em termos de entrelaçamento de planos e de acúmulo de personagens por um mesmo ator.

A construção dramatúrgica fica menos realçada em As Pequenas Coisas, o que não significa que não exista e nem que o texto seja destituído de atrativos. Um deles reside numa aparente dispersão temática na apresentação das conexões entre três mulheres – Patricia, Nice e Bel. MacIvor frisa tópicos, como a hierarquia de classe e a sexualidade, para abordar as barreiras emocionais e morais evidenciadas nas interações entre elas. Não há um protagonismo entre os assuntos inseridos num texto sobre pequenas coisas do cotidiano – que, logicamente, não têm nada de pequenas.

Apesar da estruturação da peça ser menos destacada pelo autor, Inez Viana, diretora do espetáculo em cartaz no Teatro Sesc Copacabana, valoriza a elaboração cênica através de transições intencionalmente abruptas entre as cenas, fazendo com que uma penetre, de maneira breve, na seguinte. Essa proposta relativiza a vertente realista. A cenografia de Marieta Spada também suaviza o realismo, sem quebrá-lo, ao reunir recortes de ambientes representativos para as personagens, com marcante priorização da cor verde. Há reduzidos elementos em cena – a cadeira e a mesa com os objetos de Patricia e o piso colorido onde a criança (figura invisível, mas mencionada com constância) brinca.

Mais uma opção coloca o realismo em suspensão: a escalação de atrizes – Liliane Rovaris e Adassa Martins – que não “fotografam” como mãe e filha (por mais variáveis que sejam as diferenças de idade entre mães e filhas). Essa escolha não se constituiria como um problema caso a linguagem realista tivesse sido rompida de forma mais enfática. Mas o afastamento apenas parcial em relação a esse registro pode levar a indagações. E cabe questionar – independentemente da adesão ao realismo – a rápida resolução dos embates entre as personagens, de início bastante resistentes em abrir mão de suas certezas e defesas cristalizadas.

No entanto, em que pesem as restrições, um espetáculo como As Pequenas Coisas ocupa um lugar importante na temporada ao proporcionar algo que soa rotineiro, mas que se tornou pouco frequente no panorama: a relevância da carpintaria de um texto, concebido a partir da habilidade no desenvolvimento de situações e personagens. A montagem seduz ainda pelo resultado alcançado pelo trio de atrizes. Ana Carbatti, que traduziu a peça, ressalta o comportamento rígido de Patricia por meio da fala contundente e da austeridade física. O súbito movimento de abertura da personagem na convivência com a governanta Nice se deve mais a uma fragilidade da peça do que da atuação. Liliane Rovaris interpreta, com domínio da palavra, Nice, personagem comunicativa, mas de moral arraigada, que enfrenta a relutância de Patricia e os desentendimentos com a filha, Bel. Adassa Martins faz Bel, que passa por menos transformações internas que as demais; a atriz, porém, demonstra integração em cena.

As Pequenas Coisas impõe determinados obstáculos à apreciação do espectador, seja por eventuais circunstâncias improváveis da peça, seja por certa indefinição acerca da linha realista. De qualquer modo, a encenação propicia o bem-vindo contato com um teatro centrado em texto e trabalho de interpretação.

AS PEQUENAS COISAS – Texto de Daniel MacIvor. Direção de Inez Viana. Com Ana Carbatti, Liliane Rovaris e Adassa Martins. Teatro Sesc Copacabana (R. Domingos Ferreira, 160). De qui. a sáb., às 20h e dom., às 18h. Ingressos: R$ 30,00, R$ 15,00 (meia-entrada) e R$ 7,50 (associado do Sesc).