dezembro 2025

Destaques da cena em 2025

Bruna Guerin, Marília Lopes, Guilherme Magon, George Sauma e Felipe Hintze: conjunto afinado (Foto: Ale Catan)

CANÇÕES QUE EU GUARDEI PRA VOCÊ – O espetáculo do Núcleo Experimental, resultante da parceria entre o diretor Zé Henrique de Paula e a diretora musical Fernanda Maia, não ambiciona uma subversão do musical, mas não se limita a reeditar padronizações do gênero. “Leva a sério” as situações da peça de Bernardo Marinho e Valentina Castello Branco, ao mesmo tempo em que eventualmente as desconstrói. O objetivo não é conscientizar o espectador em relação a alguma problemática, e sim envolvê-lo num prazeroso jogo teatral. Em destaque, as atuações de Bruna Guerin, bastante divertida nas faíscas de descontrole e na evidenciação física da crescente indecisão da personagem, e Guilherme Magon, que acentua um perfil específico através de sotaque e voz anasalada, elementos que não chegam a tipificá-lo.

João Côrtes, Julia Lund e Igor Fortunato: entre o distanciamento do relato e a intensidade do instante (Foto: Elisa Mendes)

EDDY – VIOLÊNCIA E METAMORFOSE – A encenação dirigida por Luiz Felipe Reis e Marcelo Grabowsky a partir de livros de Édouard Louis demonstra fidelidade e amadurecimento em relação à pesquisa artística da Polifônica Companhia, voltada para a transposição para o palco de material literário ocasionalmente centrado em depoimentos de indivíduos confrontados com situações extremadas. A companhia também dá continuidade à articulação entre teatro e cinema – o primeiro calcado numa “essencialidade” que se traduz na priorização do ator e da palavra e o segundo, na necessidade do aparato tecnológico, de imagens que transcendem as “limitações” do espaço teatral. Os integrantes do elenco (João Côrtes, Igor Fortunato e Julia Lund) administram a alternância entre um certo distanciamento emocional próprio do relato e a intensidade do acontecimento no instante em que transcorre.

Rodrigo Fagundes e Lucas Drummond: habilidade no humor doce-amargo (Foto: Costa Blanca Films)

O FORMIGUEIRO – Autor do texto e diretor da montagem, Thiago Marinho imprime humor doce-amargo, transitando entre uma linha de comicidade aberta, expansiva, e certa melancolia quando os personagens – irmãos reunidos para a comemoração do aniversário da mãe, em estado avançado de Alzheimer – externam verdades dolorosas. Marinho demonstra apreciável domínio de escrita em momentos em que os personagens, envolvidos em ações concomitantes, não estabelecem, de fato, uma interação. E articula bem os personagens com a figura da mãe, presente e mencionada durante todo o tempo, simbolizada pelo xale na cadeira de rodas, invisível aos olhos dos espectadores.

Eduardo Moscovis: Narração com pleno domínio da emoção (Foto: Catarina Ribeiro)

O MOTOCICLISTA NO GLOBO DA MORTE – O dramaturgo Leonardo Netto criou um personagem conflituado, que se apresenta como indivíduo pacífico, avesso a embates, mas que se surpreende com a própria reação ao ser confrontado com atitudes brutais, perversas. Em cena, Eduardo Moscovis domina o recurso da narração, presentificando o relato dos acontecimentos. A sintonia com o aqui/agora do ato teatral faz com que a fala do ator surja preenchida por imagens devidamente “visualizadas” pelo espectador. Moscovis demonstra pleno controle da emoção, considerando o modo como a inclui em trechos do depoimento. O diretor Rodrigo Portella renuncia à exuberância, optando pelo despojamento visual – mas um minimalismo minuciosamente concebido, conforme se pode perceber, em especial, na iluminação de Ana Luzia de Simoni.

Carolina Virgüez, Matheus Macena e Rafael Bacelar: violência estampada no corpo (Foto: Ligia Jardim)

VEIAS ABERTAS 60 30 15 SEG – Na dramaturgia cênica do espetáculo d’Aquela Cia., o caráter enérgico e contagiante da dança surge em incômodo contraste com toda a violência tematizada no texto autoral de Carolina Lavigne e Pedro Kosovski – a partir do livro As Veias Abertas da América Latina, de Eduardo Galeano – e ao longo da encenação de Marco André Nunes: a violência vivenciada, em diversos momentos históricos, pelos muitos oprimidos em diferentes países da América Latina. Não por acaso, o corpo desponta de maneira central na cena (a direção de movimento de Marcia Rubin se revela fundamental). Cabe destacar a atuação de Carolina Virgüez, que sobressai pelo domínio da palavra, proferida com contundência, e do corpo, em passagens que surpreendem pelo controle físico.

A valorização e a dessacralização do texto

Daniel Schenker Teatro 0

João Côrtes e Igor Fortunato em Eddy – Violência e Metamorfose (Foto: Elisa Mendes)

Na programação teatral de 2025, no Rio de Janeiro, a palavra ganhou certo destaque. É o que se pode perceber com o crescente (apesar de ainda tímido) debruçar sobre peças clássicas (O Bem Amado, Os Mambembes, Navalha na Carne, Gota D’Água, Um Julgamento – Depois do Inimigo do Povo, Dias Felizes, O Mercador de Veneza, As Bruxas de Salém, Édipo Rec, Hamlet) e, eventualmente, contemporâneas (A Baleia, As Pequenas Coisas, Choque: Procurando Sinais de Vida Inteligente, O Som que vem de Dentro), além de adaptações de textos literários (Veias Abertas 60, 30, 15 seg, Eddy – Violência e Metamorfose, (Um) Ensaio sobre a Cegueira, Os Irmãos Karamazov, O Papel de Parede Amarelo e Eu, A Procura de uma Dignidade, Torto Arado, esse último filiado à vertente musical). Mas, na maioria dos casos, o que prevaleceu não foi a leitura tradicionalmente respeitosa das obras dos autores, e sim apropriações atravessadas por diferentes graus de liberdade criativa. Quase todas as encenações evidenciaram a postura dessacralizada dos diretores em suas abordagens da palavra.

Se a transposição de textos da literatura pressupõe, a princípio, adaptações linguísticas que determinam alterações (mas vale lembrar que Aderbal Freire-Filho contrariou esse entendimento ao encenar livros na íntegra, base do conceito do romance-em-cena), o mesmo não necessariamente acontece quando se trabalha com dramaturgia para teatro. No entanto, muitos dos espetáculos oriundos de peças de autores renomados passaram por modificações decorrentes de articulações entre passado (o instante em que foram escritas) e presente (seja no que se refere às questões em pauta nos dias de hoje, seja à inserção em cena do aparato multimídia).

Variadas operações foram postas em prática. Houve montagens concebidas a partir de incisões nas peças por meio de mudanças nos contextos originais, supressão de personagens e/ou concentração em momentos específicos das histórias. Nos espetáculos que surgiram de livros, as reestruturações dos textos chamaram atenção – e também a ocasional preservação da construção literária.

De qualquer maneira, o contato com a palavra gerou algum temor. Talvez os artistas tenham tomado precauções diante do risco de provocar uma sensação exasperante no público do acelerado mundo atual. Assim, diversas montagens sinalizaram tendência de seduzir a plateia através de uma série de atrativos. A mencionada utilização dos recursos tecnológicos é um desses elementos, mas não o único. Com frequência, os espectadores foram convidados a subir ao palco – sendo literalmente incluídos na cena. E, conforme o esperado, sobressaiu notada preocupação em aproximar os espetáculos da velocidade do aqui/agora.

Contraste que se repete a cada ano, a cena oscilou entre a quantidade de monólogos e musicais. Ao longo do tempo, o formato do monólogo vem se impondo como estratégia de sobrevivência diante das inúmeras dificuldades enfrentadas na viabilização das produções teatrais, mas não só. Também desponta como expressão genuína de artistas que externam “sozinhos” no palco um conteúdo ou uma experiência, às vezes, intransferível (afirmações identitárias, reivindicações contundentes). Não foram poucos os que cumpriram temporada: O Motociclista no Globo da Morte, Pa!, Tip (Antes que me Queimem eu me Atiro no Fogo), Meu Remédio, A Procura de uma Dignidade, Pedrinhas Miudinhas, Céu da Língua, Na Quinta Dor, Perigosas Damas, Eu sou um Monstro, Aquele Trem, Criatura, uma Autópsia, Inventário, O Papel de Parede Amarelo e Eu, 20 Minutos Daqui, O Dinossauro de Plástico, Paixão Simples.

Nem os monólogos, nem os musicais, pertencem a uma mesma corrente. A linha do musical biográfico, voltada para o tributo a artistas da música popular brasileira, manteve a habitual constância, a exemplo de Martinho Coração de Rei – O Musical, Clara Nunes – A Tal Guerreira, Rita Lee – Uma Autobiografia Musical, A Pérola Negra do Samba, Djavan – O Musical e Zé Ketti, Eu Quero Matar a Saudade!. Essa valorização dos artistas do país, apesar de frequente, não constituiu a única manifestação do gênero. Musicais realizados a partir de textos autorais (Canções que eu Guardei pra Você, Donatello) e outros escorados em sucessos estrangeiros (Hair, Mudança de Hábito) marcaram presença. O panorama do teatro de mercado foi complementado por comédias de estilos distintos, mas de resultado junto ao público, como O Formigueiro, Meu Remédio, Céu da Língua, Férias, Fica Comigo esta Noite e A Sabedoria dos Pais.

Para completar, espetáculos já apresentados deram continuidade às suas temporadas (Prima Facie, Tom na Fazenda, Não me entrego, não!, Lady Tempestade) ou foram retomados depois de anos (Meu Caro Amigo, Narcisa). O passado veio à tona ainda por meio de importantes iniciativas. Cristina Bethencourt, Silvia Monte e Tania Brandão somaram esforços na homenagem ao dramaturgo João Bethencourt em evento (João Bethencourt – Um Homem de Teatro) centrado na leitura de algumas de suas peças. No terreno das publicações foram lançados os livros Sergio Cardoso: Ser e Não Ser, de Jamil Dias, sobre a trajetória do ator Sergio Cardoso; Estrelas e Malditos – Sucessos de Escândalo na Crise do Teatro Brasileiro Moderno, de Henrique Buarque de Gusmão, que se deteve em três explosivas montagens da segunda metade dos anos 1960 (Toda Nudez será Castigada, Senhora na Boca do Lixo e Navalha na Carne); O Rastro Atrás de Jorge Andrade, de Antonio Gilberto, sobre a célebre peça do dramaturgo e sua encenação sob a direção de Gianni Ratto; e Em Letra de Imprensa, de Flavio Marinho, reunindo textos jornalísticos em diferentes veículos da imprensa – fase anterior ao ingresso de Marinho na carreira de autor de teatro.

Fechando o ano – e apontando para o futuro –, o Teatro Sesc Ginástico foi reinaugurado, após uma longa reforma, com Fernanda Montenegro lê Simone de Beauvoir. Um teatro emblemático no percurso da atriz, que, em 1961, estreou lá a polêmica montagem de Beijo no Asfalto, peça que Nelson Rodrigues escreveu, a seu pedido, para a companhia Teatro dos Sete.

Questões abrangentes em trama condensada

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Kaio Raiol, Pedro Manuel Nabuco, Heitor Acosta e Isadora Ruppert em Dia de Jogo (Foto: Daniel Vicente Bandeira)

Diferentes entendimentos de jogo marcam essa montagem do texto de Pedro Manoel Nabuco (concebido em colaboração com Moacir Chaves e Edson Sodré) sob a direção de Gabrielly Vianna. Há o jogo enquanto entretenimento – o jogo de bola entre os amigos, o jogo de cartas, o mencionado jogo de futebol –, que não adquire importância determinante na peça (como o futebol no encerramento de A Falecida, de Nelson Rodrigues, só para citar um exemplo), mas ganha, eventualmente, sentido metafórico, como na cena em que as cartas de um baralho, dispostas em círculo, no chão, têm a organização desarrumada devido a uma briga, simbolizando a crescente pressão sofrida pelos personagens. E há o jogo cênico, entre os atores, a partir de registros diversos, do naturalismo à composição estilizada.

Por meio desses jogos, Pedro Manoel Nabuco mostra as jornadas de três amigos de infância – Almôndega, Cebola e Tito. O autor destaca um momento culminante, quando os dois primeiros reencontram o terceiro, que se distanciou anos atrás e ascendeu economicamente de maneira nebulosa. O dramaturgo conjuga a convivência concentrada, intimista, entre os personagens com um contexto mais abrangente, abarcando as arriscadas experiências deles no mundo externo. Entrelaça passado e presente nas trajetórias dos personagens e seus cotidianos contrastantes – o dia a dia na periferia, os altos escalões do poder –, nas quais a criminalidade irrompe de formas distintas. Ambiciona um arco (temporal, social) amplo, mas, provavelmente com o intuito de envolver o espectador, prioriza as reviravoltas de uma trama condensada, que dialoga com representações eletrizantes da realidade, em detrimento de uma abordagem adensada dos conteúdos reunidos.

A intenção de incluir – ou, pelo menos, aproximar – a plateia na ação também se manifesta por meio do aproveitamento das possibilidades de ocupação da cena no reduzido palco do Espaço Rogerio Cardoso, com os atores transitando entre as áreas disponíveis, e das rápidas interações do elenco com o público. O resultado dessas tentativas de conexão entre o espectador e o espetáculo, propostas na direção de Gabrielly Vianna, é parcial. Seja como for, as criações artísticas surgem dimensionadas no espaço, no que diz respeito ao trabalho de corpo em instantes pontuais do espetáculo (preparação a cargo de Gustavo Vieira, coreografia de Shantala Martins). Na cenografia de Mariana Marton, as cartas de baralho despontam como principais elementos e os figurinos de Samir Alves valorizam o universo dos personagens através da mescla entre a fidelidade ao real e a estética do grafite.

Há uma integração entre os componentes do elenco, o que não significa que todos atuem numa mesma linha interpretativa. Heitor Acosta transcende, em alguma medida, o naturalismo da representação ao projetar um estado de perplexidade, uma falta de sintonia entre Almôndega e os demais, que não decorre propriamente de discordâncias em relação às decisões tomadas e sim da dificuldade em acompanhar a dinâmica dos embates. O ator estabelece, com precisão, um timing específico que surpreende a plateia. Kaio Raiol se antecipa, às vezes, na fala atropelando um pouco a conversa, mas, de qualquer modo, transmite, com veemência, a indignação de Cebola. Pedro Manoel Nabuco adere à coloquialidade da contracena e procura demarcar a transição de Tito ao longo do tempo. Isadora Ruppert destoa propositadamente ao enveredar por atuação caricatural em chave de humor que uniformiza a maquiavélica e alienada Camila, uma personagem “de fora”, sem elo com dois dos amigos.

Dia de Jogo traz o conflito (quase) explosivo entre personagens confrontados com situações extremadas. O objetivo de Pedro Manoel Nabuco não foi “apenas” contar uma história ao público, mas expor temáticas contundentes a partir dela. Apesar do autor não desenvolver suficientemente as questões, essa montagem da Má Companhia suscita no espectador certo grau de curiosidade.

DIA DE JOGO – Texto de Pedro Manoel Nabuco. Direção de Gabrielly Vianna. Com Heitor Acosta, Isadora Ruppert, Kaio Raiol e Pedro Manoel Nabuco. Espaço Rogério Cardoso (Av. Vieira Souto, 176). Sex. e sáb., às 19h e dom., às 18h. Ingressos: R$ 50,00 e R$ 25,00 (meia-entrada).

Cena despojada com imagens inventivas

Daniel Schenker crítica, Teatro 0

André Celant e Glaucia Rodrigues em O Som que vem de Dentro (Foto: Annelize Tozetto)

O título da peça do dramaturgo norte-americano Adam Rapp destaca a interioridade – no caso, dos dois personagens, a professora de literatura Bella Lee Baird e o aluno Christopher Dunn. De maneiras distintas, ambos evidenciam subjetividades conturbadas. Ela administra o cotidiano com independência, no que diz respeito ao campo pessoal e à solidez conquistada dentro do meio acadêmico, mas lida com o diagnóstico de uma doença grave em estágio avançado. Ele, portador de permanente sensação de desajuste com as regras determinadas pelo sistema, percebe na literatura uma possibilidade de extravasamento da inquietação que o norteia. Por outro lado, O Som que vem de Dentro, na tradução de Clara Carvalho, é uma peça para ser analisada em sua exterioridade, no que se refere à escrita, à construção formal, particularmente na oscilação entre duas esferas temporais diversas – a da narração (portanto, ao que já aconteceu), exercida por Bella, e a da vivência dos fatos no instante em que ocorrem.

Em relação ao desenvolvimento da situação-base, circunstâncias bruscas irrompem ao longo do texto. Parece pouco provável que, pelo menos num primeiro momento, uma personagem defendida e atada a formalidades como Bella, mesmo que vulnerável devido ao quadro de saúde, releve a postura agressiva e contestadora de Christopher; e, ao final, Christopher, ainda que emocionalmente desestabilizado e decidido a fazer com que Bella leia seu texto, reage com indiferença a um extremado pedido dela. A estranheza se impõe mais uma vez – e tanto no âmbito da dramaturgia quanto no da encenação – quando Bella descreve, com intensidade, um encontro sexual, quebrando, de modo intencional, com a atmosfera sóbria da peça e da própria montagem. A contenção cede lugar aos gestos largos, expansivos, da atriz, posicionada de costas para o público.

À frente do espetáculo em cartaz no Teatro Glauce Rocha, João Fonseca aproxima o texto do espectador através de citações a escritores e livros brasileiros, mas acertadamente não propõe uma aclimatação da peça ao país. Sem se limitar ao “efeito” sedutor dessas menções e também sem investir em interferências contundentes na dramaturgia, o diretor realça o potencial de envolvimento do texto por meio de uma cena despojada, mas não destituída de inventividade. Entre os componentes da montagem, sobressai o cenário de Nello Marrese, que parte de uma sugestão de ambientação realista, transcendendo, porém, essa moldura. A imagem de galhos retorcidos ao fundo do palco sintetiza a paisagem invernal demarcada no texto e os quadros-negros espalhados pela estrutura vertical, sintonizados com os universos dos personagens, são manipulados de forma criativa, assim como elementos da cenografia, em especial o giz, simbolizando neve, e a mesa, não restritos a funções utilitárias. Os figurinos de Marieta Spada vestem os personagens em acordo com seus perfis e ocupações. A iluminação de Daniela Sanchez contrasta, em certa medida, tonalidades discretas com eventuais explosões de cores. No elenco, Glaucia Rodrigues transita entre a exposição/descrição dos acontecimentos e a instantaneidade da experiência. Nos dois planos, a atriz domina a palavra, qualidade adquirida no decorrer de décadas de trabalho na Cia. Limite 151, um coletivo voltado para a valorização da literatura dramática. André Celant tem alguma dificuldade em imprimir credibilidade às ações e reações abruptas do personagem.

O Som que vem de Dentro, a peça, nem sempre soa verossímil na apresentação das situações. Mas a montagem conecta o espectador com a escuta do texto e com uma cena que instiga por meio da concepção visual.

O SOM QUE VEM DE DENTRO – Texto de Adam Rapp. Direção de João Fonseca. Com Glaucia Rodrigues e André Celant. Teatro Glauce Rocha (Av. Rio Branco, 179). Sex. e sáb., às 19h, dom., às 18h. Ingressos: R$ 60,00 e R$ 30,00 (meia-entrada).