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abril 2025

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Uma comédia em desconstrução

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Drica Moraes e Fabio Assunção em Férias, montagem em cartaz no Teatro Claro Mais (Foto: Leo Aversa)

O jogo teatral está na base da proposta de um espetáculo como Férias. Jô Bilac investe num enredo simples, que não fere a verossimilhança e nem gera estranhamento no público, apesar de centrado num momento de excepcionalidade na vida de um casal: ao ganharem dos filhos uma viagem de navio, o marido e a esposa dão vazão a peripécias libertárias, que se estendem depois do cruzeiro. Mas o autor desconstrói, com certa frequência, as situações, de modo a lembrar a plateia que se trata de uma peça, de uma brincadeira cênica.

Na encenação dirigida por Enrique Diaz e Debora Lamm, atualmente em cartaz no Teatro Claro Mais, essa concepção é reforçada por meio de registro interpretativo expansivo e popular de Drica Moraes e Fabio Assunção, que, em constante agitação corporal (direção de movimento a cargo de Marcia Rubin), quebram a quarta parede para breves interações com o espectador. A comunicabilidade e o caráter lúdico também se manifestam nas demais contribuições artísticas da montagem, como a pista de skate da cenografia de Dina Salem Levy, que realça o espírito de aventura dos personagens e favorece as possibilidades de extrair humor de circunstâncias físicas, e as roupas e os adereços acrescidos aos trajes básicos (figurinos de Antônio Medeiros) que colaboram para a comicidade dos diversos incidentes. A iluminação de Wagner Antonio alterna, de maneira marcante, a luz aberta da comédia com passagens mais buriladas.

Jô Bilac cria personagens individualizados e, por outro lado, simbólicos – tanto os protagonistas, denominados H e M, como os coadjuvantes, X e Y. Por meio da despretensão, evidencia questões referentes ao relacionamento do casal que rompe com a acomodação do cotidiano e com um padrão de comportamento pré-estabelecido e se permite viver de forma impulsiva, sem regras morais restritivas. Bilac, porém, não deixa que a “seriedade” se instale; prioriza a interatividade cômica. Não haveria problema, mas o autor demonstra considerável dificuldade para desenvolver a peça. Depois que os personagens são expulsos do cruzeiro, os episódios em torno de experiências sexuais soam muito parecidos e o resultado em termos de humor decresce, por maior que seja o empenho dos intérpretes para mantê-lo em alta voltagem.

Drica Moraes e Fabio Assunção narram – descolados, através de comentários – a vertiginosa jornada de seus personagens e a “vivenciam”, seguindo uma determinada linha de atuação. Entretanto, ainda que entrosados, Drica se destaca pelo aproveitamento expressivo do corpo e pelo timing preciso, ao passo que Fabio apresenta trabalho mais linear, em especial pelo fato de falar num mesmo diapasão, sem variedade na inflexão vocal. As cenas de conexão direta com a plateia servem mais para sublinhar o artifício do acontecimento teatral do que para imprimir graça ao espetáculo.

A direção conjunta de Enrique Diaz e Debora Lamm se justifica, a princípio, pela oportunidade de complementação. Enrique tem longa parceria com Drica Moraes no teatro – integraram a Companhia dos Atores, ele como diretor e ela como atriz – e conduziu encenações norteadas por desafios de linguagem. Debora se notabilizou, principalmente como atriz, no campo da comédia, terreno que começou a exercitar como diretora. Em todo caso, a junção de esforços é excessiva, tendo em vista as limitações do material dramatúrgico.

Férias é um espetáculo que ambiciona envolver o espectador com os quiproquós dos personagens e, ao mesmo tempo, desarmar a instância ficcional para frisar que aquilo que se desenrola é “apenas” teatro – proposição que chega ao ápice na descontraída cena final. Mas a peça esgota o potencial de diversão bem antes do encerramento, fragilidade que o elenco e a direção, em que pese a dedicação coletiva, provavelmente não teriam como superar.

FÉRIAS – Texto de Jô Bilac. Direção de Enrique Diaz e Debora Lamm. Com Drica Moraes e Fabio Assunção. Teatro Claro Mais (R. Siqueira Campos, 143 / 2º andar). Sáb., às 18h e 20h30. Dom. às 18h. Ingressos: de R$ 50,00 a R$ 180,00.

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Saga com final feliz

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Tania Brandão, organizadora do livro, durante o lançamento realizado no Festival de Curitiba (Foto: Annelize Tozetto)

A publicação de Pum!, burleta de Artur Azevedo e Eduardo Garrido, é resultado da tenacidade da pesquisadora, professora e crítica de teatro Tania Brandão, que há mais de 15 anos começou a procurar esse texto. Ao longo do tempo, realizou extensa jornada investigativa. Descobriu que os manuscritos pertenciam ao ator Labanca, que doou à atriz Fernanda Montenegro, que, por sua vez, presenteou o crítico Sábato Magaldi em sua posse na Academia Brasileira de Letras (ABL). Foi com Sábato que Tania conseguiu uma cópia do texto – na verdade, uma cópia da cópia –, material a partir do qual trabalhou, em parceria com o professor Diógenes Maciel, na organização do livro, que também conta com fortuna crítica referente às encenações do texto, caderno de imagens e estudo introdutório assinado por Tania. O livro (editado pela Papel da Palavra), que já foi lançado no Mezanino do Espaço Sesc e durante o Festival de Curitiba, terá nova noite de autógrafos, marcada para segunda-feira, dia 14, na Livraria Janela (R. Maria Angélica, 171B), às 19h.

Como conseguiu ter acesso ao texto?

TANIA BRANDÃO – Comecei a procurar o texto em 2008 por causa do centenário de morte de Artur Azevedo. Soube que fizeram, em 1999, uma montagem infanto-juvenil. Falei com Claudia Ventura, que participou do espetáculo e me indicou os profissionais que estiveram à frente do projeto. Eles informaram que tiveram acesso ao manuscrito – que, originalmente, pertencia a Labanca, que doou a Fernanda Montenegro. Ela cedeu ao grupo, que fez uma cópia e devolveu. Entrei em contato com Fernanda, que disse não ter mais o manuscrito porque havia doado a Sábato Magaldi quando ele entrou para a Academia Brasileira de Letras (ABL). Sábato, por sua vez, destinou o texto à ABL. Busquei, então, na ABL, mas o texto não estava mais lá. Soube que os acadêmicos podem retirar os livros da biblioteca sem controle por parte da instituição. Mas Sábato havia feito uma xerox, que me emprestou para que eu tirasse uma cópia.

Como foi o trabalho a partir dessa cópia?

A partir da cópia da cópia, eu e Diógenes Maciel reproduzimos o texto o mais fielmente possível. Alguns pequenos trechos ficaram indecifráveis. Agora estou me dedicando a um estudo do manuscrito enquanto história da cena. Quero fazer um levantamento das montagens desse texto no Brasil e em Portugal, onde houve uma.

Quais são os elementos diferenciais de Pum! em relação ao restante da obra de Artur Azevedo?

O principal é a ousadia. Pum! é um texto que incomoda. O título é muito irreverente. Traz um certo desconcerto. Apesar de Azevedo ser muito respeitado, há quem considere a peça imoral. Além disso, é difícil separar a criação de Azevedo da de Eduardo Garrido. Azevedo tem habilidade com o humor, a paródia, elementos muito refinados em Pum! O texto possui uma acidez maior que outros escritos dele. Mas é uma comédia romântica sobre dois jovens que enfrentam a oposição de um pai que tem interesse econômico em casar a filha com outro homem.

Acha que a realidade ganha mais destaque nesse texto, que traz à tona a Revolta da Armada, do que em outros de Artur Azevedo?

É como se esse texto tivesse contaminação da revista de ano, gênero que lida com fatos históricos. Mas Pum! soa mais contundente porque está ligada a um acontecimento que se constituiu como ameaça de bombardeio ao Rio de Janeiro.

A edição de Pum! é complementada com fotos do Rio de Janeiro na época em que a história se passa. Teve dificuldade em encontrá-las?

Primeiro descobri, na Biblioteca Nacional, que o Instituto Moreira Salles (IMS) é detentor dos direitos das fotos. O IMS está fechado e não consegui retorno por parte da instituição.  Aí achei na internet fotos no site da Marinha. Entrei em contato e foram maravilhosos. Cederam todas as imagens que pedi. Tive que restringi-las no livro para reduzir um pouco os custos da edição.

Além de Pum!, você busca outro texto?

Persigo, desde os anos 1980, um texto chamado A República, de Aluísio e Artur Azevedo, uma revista referente ao ano de 1889. É um texto perdido. Não temos mais comércio de manuscritos teatrais nos sebos e leilões no Brasil. Em Portugal ainda é possível encontrar.

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Dança despida de convenções

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Encantado, espetáculo de Lia Rodrigues apresentado no Festival de Curitiba (Foto: Humberto Araujo)

CURITIBA – A importância de delimitar fronteiras entre as manifestações artísticas é uma discussão em aberto. Por um lado, definir características para cada arte pode ser considerado um reducionismo, tendo em vista as extensas possibilidades de interface entre elas; por outro, não estabelecer particularidades talvez faça com que as artes permaneçam misturadas de forma indistinta. A inclusão de espetáculos de dança num festival de teatro contribui para a diversidade da seleção e amplia o intercâmbio. Mas, apesar de teatro e dança serem frequentemente unidos numa mesma categorização, os procedimentos e códigos que norteiam esses mundos artísticos não são idênticos.

Um crítico de teatro – capacitado, em tese, para analisar variadas propostas de linguagens de encenações – não está necessariamente habilitado para discorrer sobre um trabalho de dança e vice-versa. Por isso, cabe aqui um cuidado especial nas observações a respeito de Encantado, espetáculo de dança dirigido por Lia Rodrigues (já mostrado no Rio de Janeiro) que integrou a recém-encerrada edição do Festival de Curitiba.

Como tantos espetáculos, Encantado não obedece aos princípios tradicionais da dança. Nos primeiros minutos, bailarinos entram em cena e desenrolam, lentamente e à meia luz, um tapete formado por diversos pedaços de tecido. Logo após, voltam ao palco, nus, e, individualmente, “mergulham” nos tecidos, que se tornam peles. Um ou outro deixa aparente o corpo despido. Essa parte introdutória traz à tona, ainda que ao longe, um dos espetáculos anteriores dirigidos por Lia Rodrigues: Aquilo de que Somos Feitos, no qual os bailarinos desconstruíam com mais contundência a representação ao entrarem nus no espaço – e, naquele caso, circularem entre os espectadores, borrando a separação entre a área destinada à atuação e ao público.

De início, não há música em Encantado. A sonoridade, que remete a referência indígena, é inserida depois de certo tempo e vai aumentando de intensidade. Por meio dos tecidos – muitos com estampas tropicais e/ou kitsch, alguns lisos, sempre com cores vivas –, os bailarinos sugerem imagens concretas, mas sem inibir a abertura para múltiplas interpretações dos espectadores. Encantado é, assim, um espetáculo que parece nascer aos poucos diante da plateia. A cena, porém, não se instala a partir da inserção das sonoridades, da produção de imagens ou da realização da dança; existe antes desses elementos serem introduzidos, no mencionado começo com os bailarinos desenrolando o tapete.

Num determinado instante, quase todos os bailarinos se concentram no fundo do grande palco do Teatro Guaíra com os tecidos emaranhados. No meio e no proscênio, o espaço fica vazio até ser ocupado por um pequeno número de bailarinos, com movimentações em destaque. A cena não se resume aos artistas que se encontram em primeiro plano; também abarca o fundo “caótico”. Esse “caos” passa a imperar quando os bailarinos se cobrem com a maior quantidade de tecidos – e de maneira desordenada, contrastando o excesso intencional com o desnudamento físico inicial. Seja como for, nus ou envolvidos pelos tecidos, os bailarinos compõem um conjunto heterogêneo em que cada um não perde a própria individualidade mesmo ao se reunirem como tribo e seguirem uma única marcação coreográfica. Encantado é um espetáculo que estimula e desafia o olhar do espectador.

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Exuberância e síntese

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Alexia Twister interpreta Rei Lear na encenação dirigida por Ines Bushatsky (Foto: Annelize Tozetto)

CURITIBA – Artistas drag queens interpretam os personagens de uma das principais tragédias de William Shakespeare – Rei Lear. Mas o foco da encenação dirigida por Ines Bushatsky, apresentada dentro da programação da Mostra Lucia Camargo no Festival de Curitiba, não reside numa leitura da peça a partir da abrangência da sexualidade ou simplesmente do sexo biológico – como fez Akira Kurosawa em Ran (1985) ao trocar as três filhas de Lear por filhos. A diretora parece propor uma articulação entre o mascaramento drag e a carga de verdade e mentira embutida numa manifestação artística como o teatro.

Diferentemente do ator que some por trás da personagem, os artistas drags surgem diante do público com maquiagem abundante (visagismo de Malonna e Polly), figurinos (de Salomé Abdala) repletos de cores e brilhos e presenças cênicas expansivas. São presenças mais explicitamente teatrais, o que não significa que sejam mais autênticas ou postiças que o ator “invisível” da cena naturalista voltada para a reprodução de uma fatia do cotidiano.

O teatro está no centro da cena através de seu símbolo mais tradicional: a cortina. A representação teatral é um ingrediente importante na dramaturgia de Shakespeare, valendo lembrar do seu uso como instrumento revelador da verdade em Hamlet. Já em tragédias do autor como Macbeth, Otelo e Rei Lear, há personagens que constantemente fingem (nesse sentido, representam) e inventam situações para alcançar seus objetivos.

As cortinas também são utilizadas de maneira sugestiva, a exemplo da queda delas ao final do espetáculo, sinalizando as mortes das filhas de Lear. Cabe assinalar, inclusive, um interessante contraste entre a escassez de elementos da montagem (cenografia de Fernando Passetti) – síntese que se perde um pouco no palco do Teatro Guairinha – e o intencional excesso estético do mundo drag. A encenação transita, de forma hábil, entre a intensidade e a discrição, variação que sobressai na iluminação de Aline Santini.

Em meio ao jogo de oposições que atravessa a montagem, é possível perceber ainda uma certa discrepância entre a tendência a uma abordagem histriônica da peça – a partir das liberdades em relação ao material original, flagrantes nas gírias e citações atuais (adaptação a cargo de João Mostazo) – e as oportunas contenção e sobriedade com que boa parte do elenco – composto por Alexia Twister, Antonia Pethit, DaCota Monteiro, Ginger Moon, Lilith Prexeva, Maldita Hammer, Mercedez Vulcão, Thelores, Xaniqua Laquisha – diz o texto.

No palco, o monarca Lear aparece esteticamente montado, mas com voz firme e contundente, própria de um personagem abalado por experiências trágicas e desestabilizadoras. Esse rigor, porém, não se mantém ao longo de toda a apresentação. À medida que Lear é destituído dos direitos e luxos até então garantidos pelo poder que exerce e envereda por jornada de enlouquecimento (ou de conquista da sanidade), o espetáculo dá vazão a uma paródia generalizada, que se estende por descartável sátira aos signos habituais do teatro contemporâneo. Em outros instantes, a desconstrução da atmosfera densa é mais bem-sucedida, a exemplo da inclusão da música It’s Raining Men, da dupla The Weather Girls.

As muitas referências ao pop ganham alguma perspectiva crítica, como na cena em que essa batida musical acompanha os discursos de Goneril e Regan, as filhas de Lear que afirmam, com hipocrisia, o suposto amor que sentem pelo pai. Em contrapartida, a fala sincera de Cordelia é marcada pela oscilação entre os extremos da ópera e do rock, diversidade que norteia a trilha sonora de Gabriel Edé.

Essa montagem de Rei Lear não se limita a destacar a exuberância estética e comportamental da drag queen. Insere-a, isto sim, numa cena despojada, com reduzidos – e ocasionalmente expressivos – recursos. Mesmo que o espetáculo ceda, em determinados momentos, a um humor de efeito mais imediato junto ao público, chama atenção o domínio da palavra evidenciado nas atuações de parte considerável do elenco.

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A contracena dos tempos

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Cena de Bom Dia, Eternidade, encenação apresentada na Mostra Lucia Camargo do Festival de Curitiba (Foto: Humberto Araujo)

CURITIBA – Em Bom Dia, Eternidade, encenação de Luiz Fernando Marques (Lubi) que reúne uma banda composta por músicos idosos e atores do grupo O Bonde, diferentes camadas de tempo se entrelaçam. Essa articulação se manifesta por meio da conjugação entre passado e presente (ainda que o título do espetáculo aponte para a transcendência de períodos delimitados), tanto no campo temático quanto na conexão entre teatro e cinema.

Na esfera do tema, a interação entre tempos distintos está na base da história, centrada na abrupta e violenta remoção de uma família negra que mora na periferia de São Paulo, em 1964, e o reencontro dos irmãos, nos dias de hoje, ao conquistarem o direito de recuperar a terra roubada.

No que diz respeito ao cinema e ao teatro, um jogo de oposição se estabelece. O primeiro é destacado como forma artística atada ao passado, na medida em que consiste na reexibição de material já gravado (apesar do espetáculo mesclar sequências pré-gravadas com cenas registradas e projetadas no instante da apresentação), e o segundo como vinculado ao presente, por acontecer no aqui/agora, diante do espectador.

Luiz Fernando Marques, em sintonia com a dramaturgia de Jhonny Salaberg, proporciona uma contracena dos tempos. Há um constante espelhamento entre atores e músicos de idades variadas – com os mais jovens reproduzindo gestos e externando as vivências dos mais idosos e, ocasionalmente, dando vazão a números de dança.

Mas algo não se mistura na estrutura do espetáculo: a natureza poética da dramaturgia burilada e a concretude dos depoimentos dos músicos, projetados nas cortinas estampadas da cenografia. Mesmo que a realidade esteja entranhada na proposta dramatúrgica, há diversos momentos em que ficção e documentário surgem como linguagens divorciadas.

Por mais contundentes e oportunos que sejam os depoimentos – que trazem à tona as jornadas pessoais e profissionais dos músicos, os obstáculos enfrentados em decorrência do preconceito racial e da sexualidade –, o impacto da montagem reside na evocação de lembranças familiares, com a casa e a figura da mãe como personagens fundamentais, como elementos ausentes, mas onipresentes.

A mãe aparece nos permanentes relatos dos filhos a partir de um quadro com sua imagem. E a casa é representada principalmente pelo espaço do quintal, símbolo da união de uma família que, obrigada a se separar com a remoção, fortalece os laços após a morte da mãe. Um espaço que não é materializado diante do público, e sim sugerido por meio de objetos afetivos (animal de cerâmica, vestido, rádio, pano de prato e, em especial, as cortinas rendadas e estampadas) que integram a cenografia do próprio Luiz Fernando Marques. As cortinas não são posicionadas no fundo do palco do Teatro da Reitoria, mas dividem o espaço da cena e o da banda.

A cenografia é não só expressiva como sintética, preocupação que também transparece no trabalho de direção, a exemplo da representação das árvores do quintal nos corpos dos músicos, dispostos, em breves passagens, de costas para a plateia. A concepção cênica é favorecida pela iluminação de Matheus Brant, que oscila entre as cores intensas que inundam a cena e tonalidades crepusculares.

O elenco do grupo O Bonde (Ailton Barros, Filipe Celestino, Jhonny Salaberg e Marina Esteves) demonstra habilidade com o texto e no manejo dos objetos. Os músicos Cacau Batera, Luiz Alfredo Xavier, Maria Inês e Roberto Mendes Barbosa emocionam o público com a exposição de seus percursos atravessados pela superação de adversidades.

Bom Dia, Eternidade é um espetáculo que se alonga além do necessário e que nem sempre promove o entrosamento entre linguagens (ficção e documentário). O espectador, porém, tende a sair sensibilizado com a revelação das trajetórias dos músicos e com o brilho de uma dramaturgia que aborda as calorosas vivências nos quintais familiares.